Daft Punk es un duo artístico originario de París, Francia; conformado por los músicos Thomas Bangalter y Guy-Manuel de Homem-Christo
El estilo de la agrupación es música electrónica compuesto por acordes disco, y balada rock con toques de funk, techno, House, Hard Rock ,Synthpop e Indie
Antes de llamarse Daft Punk, se llamaban Darlin', y además de Bangalter y Homem-Christo también formaba parte otro artista llamado Laurent.
El primer single The New Wave (Soma con el nombre de Daft Punk 1993) fue seguido de su primer éxito comercial Da Funk parte de su álbum Homework (1997).
El dúo aparece disfrazado de robots en sus imágenes publicitarias y en sus entrevistas. El álbum Discovery se convirtió en la pista musical del filme de anime Interstella 5555, que co-produjeron con Leiji Matsumoto que vino acompañada de un álbum de remixes llamado "Daft Club".
Daft Punk son la pareja de electrónica de baile más famosa de toda Francia. Y eso que mucha gente no sabe que cara tienen porque siempre salen a escena ataviados con sus disfraces de robot y rara vez se les ha fotografiado a cara descubierta en las entrevistas (por no decir ninguna). Menos mal que han logrado salvar el anonimato porque la popularidad del proyecto de Thomas Bangalter y Guy-Manuel de Homem-Christo es tal que probablemente no podrían salir de casa. Son los reyes del house filtrado con sus infinitos y zumbones acordes guitarreros que les ha llevado a actuar en estadios y que de rebote han conseguido que muchos aficionados al rock se hayan aficionado a la cultura del baile con Dj. Y todo gracias a su primer éxito comercial, Da Funk, que más tarde se incluiría en su primer y celebrado álbum Homework (1997). El éxito del L.P. fue arrollador con temas como Revolution 909, Around the World, Phoenix o Alive. En realidad el album se convertía en un homenaje al sonido Chicago, al disco, el Electro-Funk y, en general, a la música discotequera de los últimos lustros (escucha el tema Teachers y podrás reconocer en el recitado a la mayor parte de los maestros que han inspirado a estos parisinos).
Después de mucho pensárselo debido a la presión de público y crítica, decidieron editar por fin en 2001 su segundo álbum, Discovery que ya no fue recibido con tantos elogios (One more time fue su single de adelanto). Aún así, este nuevo álbum se convirtió en la banda sonora de la película de animación Interstella 5555, que co-produjeron con el cineasta japonés Leiji Matsumoto y al que siguió un álbum de remixes titulado Daft Club. Cuatro años más tarde Daft Punk lanzan un nuevo álbum llamado Human After All, con singles como Technologic, Robot Rock y el single que da nombre al disco Human After All (“Humanos después de todo”). A partir de este disco se empiezan a replantear su vuelta a unos escenarios que habían abandonado bastantes años antes. Una gira que les devuelve a España en 2006 en festivales veraniegos donde demuestran su poderío visual con una gran puesta en escena con la que ganan algún que otro galardón. De esa gira nacerá un disco de tomas en directo titulado Alive 2007.
Información general
Origen París, Francia
Género(s) Nu Rave, Soft Rock electrónico, House, Electro-funk, Techno, Chill-Out
Tiempo 1993-presente
Discográfica(s) Soma Records, Virgin Records
Miembros
Thomas Bangalter
Guy-Manuel de Homem-Christo
Daft Punk es un dúo francés de música electrónica, formado por los músicos Thomas Bangalter y Guy-Manuel de Homem-Christo. Ambos se conocieron en la secundaria en París, Francia.
En el año 1992, conocen a Lawren Brancowitz con el cual crean un grupo de Indie Rock llamado Darlin.
El nombre de Daft Punk proviene del epíteto "a bunch of daft punk" que le otorgó la revista inglesa Melody Maker a la primera colaboración del dúo (un grupo de guitarra llamado Darlin, inspirado un tanto en los Beach Boys).
El género de la agrupación es el house compuesto por acordes disco, y balada rock con toques de funk, techno y synth.
El primer single de Daft Punk The New Wave (Soma, 1993) fue seguido de su primer éxito comercial Da Funk parte de su álbum Homework (1997).
El dúo Daft Punk es conocido por el uso de una imaginería peculiar en sus producciones musicales: por ejemplo, el dúo aparece disfrazado de robots en sus imágenes publicitarias y en sus entrevistas. El álbum Discovery se convirtió en la pista musical del filme de anime Interstella 5555, que co-produjeron con Leiji Matsumoto que vino acompañada de un álbum de remixes llamado "Daft Club".
El 14 de marzo de 2005, Daft Punk lanzó un álbum llamado Human After All, que contiene diez canciones con una duración de 40 minutos, y realizado en un periodo de seis semanas. Los singles más conocidos del disco son "Technologic", "Robot Rock", y "Human After All".
Recientemente Daft Punk hizo un 'greatest hits' (grandes éxitos), una colección en CD/DVD titulada "Musique Vol. 1 1993-2005", lanzado el 4 de abril de 2006. Existe el rumor de que fue un acto obligatorio debido a su contrato con Virgin Records.En esta colección hay nuevos videos como "Prime Time of Your Life" y "Robot Rock (Maximum Overdrive)".
Daft Punk hizo en 2006 una película llamada "Electroma" que se vio en el Festival de Cannes.
EMI France ha editado ya el disco alive 2007 live, recopilatorio del concierto grabado la noche del 14 de junio en la ciudad de París, Francia. Este disco ha sido presentado en 2 versiones, una sencilla de un solo disco y otra más que contiene 2 discos y un álbum fotográfico, con las imágenes tomadas durante sus presentaciones en esta gira, además del nuevo video de Harder, better, faster, stronger (el cuál fue tomado con más de 150 cámaras repartidas por los fans en un concierto en la ciudad de Nuevayork).
El día 20 de noviembre saldrá a la venta un disco titulado Discovered: A Collection Of Daft Punk Samples. Este disco es una recopilación de 12 tracks que nos muestran como los Daft Punk (basados en música disco) fueron creando sus conocidas y populares obras, tales como ahora nosotros las podemos escuchar. Los de Daft Punk han demostrado que saben sacarle jugo a un buen sampleo, tomándolo como base para crear algo más grande y completamente nuevo.
Los gustos e influencias de Daft Punk están claramente instalados dentro de los géneros bailables de los setentas (funk, disco), y para quienes aún no habian nacido en los tiempos del pantalón acampanado, el álbum Discovered (que sale a la venta el 20 de noviembre como ya se dijo) cae como un recurso ideal para descubrir, indagar y conocer más no sólo sobre las bases de la genial obra de los daft punk sino también sobre la historia de la música bailable en general: después de todo, sin “I Love You More” de George Duke, “Digital Love” no existiría como la conocemos ahora.
Los fans de Daft Punk ya pueden descubrir los samplers originales que han utilizado la pareja durante todos estos años para hacer sus armas de fabricación casera. Discovered. A Collection of Daft Funk Samples es un compendio de tracks de gente que ha influenciado la obra de los franceses de tal manera que cada uno comparte genes con tracks tan conocidos como Da Funk, Around The World o Harder Better Faster Stronger. El invento es idea de Rapster Records.
Human After All Remixes (2006)
1. Robot Rock (Soulwax remix) – 6:31
2. Human After All(SebastiAn remix) – 4:48
3. Technologic (Peaches No Logic remix) – 4:38
4. The Brainwasher (Erol Alkan's Horrorhouse dub) – 6:05
5. The Prime Time of Your Life(Para One remix) – 3:52
6. Human After All (Guy-Man After All Justice remix) – 4:01
7. Technologic (Digitalism Highway to Paris remix) – 6:01
8. Human After All (Alter Ego remix) – 9:26
9. Technologic (Vitalic remix) – 5:27
10. Robot Rockkuloz
[editar] Musique Vol. 1 1993-2005 (2006)
1. Musique (6:52)
2. Da Funk (5:28)
3. Around the World (Radio Edit) (3:59)
4. Revolution 909 (5:28)
5. Alive (5:14)
6. Rollin' & Scratchin' (7:28)
7. One More Time (Short Radio Edit) (3:56)
8. Harder, Better, Faster, Stronger (3:45)
9. Something About Us (3:50)
10. Robot Rock (4:47)
11. Technologic (Radio Edit) (2:46)
12. Human After All (5:19)
13. Scott Grooves - Mothership Reconnection (Daft Punk Remix) (4:00)
14. Ian Pooley - Chord Memory (Daft Punk Remix) (6:54)
15. Gabrielle - Forget About the World (Daft Punk Remix)(DP Don't Forget The World Mix) (5:45)
[editar] Alive 2007 (Deluxe Edition) (2007)
[editar] CD 1
1. Robot Rock / Oh Yeah (6:27)
2. Touch It / Technologic (5:29)
3. Television Rules the Nation / Crescendolls (4:51)
4. Too Long / Steam Machine (7:16)
5. Around the World / Harder, Better, Faster, Stronger (5:27)
6. Burnin’ / Too Long (7:09)
7. Face to Face / Short Circuit (4:55)
8. One More Time / Aerodynamic (6:10)
9. Aerodynamic Beats / Forget About the World (3:31)
10. The Prime Time of Your Life / The Brainwasher / Rollin’ and Scratchin’ / Alive (10:57)
11. Da Funk / Daftendirekt (6:31)
12. Superheroes / Human After All / Rock’n Roll (5:40)
[editar] CD 2 (Bonus disc)
1. Human After All / Together / One More Time / Music Sounds Better with You / Stardust (Instrumental) (10:00)
2. Bonus music video: "Harder, Better, Faster, Stronger (Alive 2007)"(3:34)
[editar] Filmografía
• 1999: D.A.F.T.: A Story About Dogs, Androids, Firemen and Tomatoes (Michel Gondry, Spike Jonze, Roman Coppola, Spike Lee, Seba Janiak)
• 2003: Interstella 5555: The 5tory of the 5ecret 5tar 5ystem (Leiji Matsumoto)
• 2006: Electroma (Daft Punk)
• 2010: Tron Legacy (DJ's playing at a club)
[editar] Curiosidades
• Aparecieron en Interstella 5555, como nominados en la entrega del disco de oro
• La canción "Veridis Quo" del álbum Discovery salen fragmentos en la canción "Dream Big" de Jazmine Sullivan de su álbum de 2008 Fearless
• La canción "Daftendirekt", del álbum Homework aparece como inicio de la canción de Janet Jackson "So Much Betta" del álbum del 2008 Discipline
• Aparecieron en el video de la canción Stronger de Kanye West, la cual contiene fragmentos de la canción "Harder, Better, Faster, Stronger"
• La cancion de Gorillaz "Dare" termina con el sonido de las voces de la cancion "Revolution 909"
• La cancion de Play-N-Skillz Ft. Lil' Jon Ft. Bon llamada "One Mo' Gin", tiene samplers de "One More Time" y una pequeña parte de "More Spell On You" de Eddie Johns, cancion que Daft Punk utiliza para hacer "One More Time".
• La cancion de Ivana Santilli "Been Thru This" tiene samples de Face to Face de Discovery (2001)
• La voz de Billy Joel en la canción Just The Way You Are del album The Stranger (1977) se utiliza para el tema High Fidelity
• Digital Love tiene sample de la cancion de George Duke " I Love You More"
• Crecendolls de Discovery tiene partes del tema "Can You Imagine" de Little Antonthy And Imperials
• La cancion de Barry Malinow "Who´s been sleeping on my bed" tiene el sample y la voz que se utilizan para hacer "Superheroes"
• La cancion "High Life" de discovery esta hecha con fragmentos de la cancion de Tavares "Break Down For Love"
• Aparecieron en la entregas de los Grammy´s con Kanye west con el tema de "Stronger" producido por Daft Punk y Kanye West
• En el verano de 2001, Daft Punk apareció en un comercial en horario de Cartoon Network, Toonami, la promoción de sus videos musicales animados y el sitio web oficial de Toonami
• Daft Punk apareció en un anuncio de televisión para promover Premini de Sony Ericsson
• En 2010, Daft Punk apareció en un anuncio de Adidas la promoción de un tema de Star Wars línea de ropa
• La cancion de Busta Rhymes "Touch It REMIX" Missy Elliott canta una parte del tema "Technologic"
• Samples de la cancion "Around The World" aparece en la cancion del 2010 "Feels Like Magic" del grupo MoonRunners incluso aparcen como reflejo en un edificio
• Formaron parte del soundtrack de Iron Man 2 en la batalla del Iron Man contra War Machine
• Aparecen como los personajes principales del juego Dj Hero de Activision
• Tienen planeado presentar un nuevo album en 2011 o a finales del 2010
• Aparecieron como uno de los protagonistas en el spot de Adidas Originals Star Wars en la Cantina
• Tienen su propio juego de musica llamado Daft Flash Tab que se puede algunas de sus canciones
miércoles, 14 de julio de 2010
Daft Punk
Historia
[editar] Primeros Años (1987-1993)
Thomas Bangalter y Guy-Manuel de Homem-Christo se conocieron en Lycée Carnot, una escuela secundaria en Francia. Los dos se hicieron buenos amigos lo que los llevó a iniciar la banda basada en guitarra, Darlin' con Laurent Brancowitz en 1992. Bangalter y Homen-Christo tocaban bajo y guitarra, respectivamente, mientras Brancowitz tocaba la batería. El nombre del trío provenía de la canción de The Beach Boys del mismo nombre, que grabaron junto con una composición original, la cual fue lanzada en un EP de Duophonic Records multiartista. Una reseña negativa de melody maker llamó a la agrupación "A bunch of daft punk". Prontamente Laurent salió de la banda. Bangalter y Homen-Christo experimentaron con máquinas de batería y sintetizadores bajo el nombre de Daft Punk.
[editar] Era Homework (1993 - 1999)
En 1993 el primer sencillo de Daft Punk, "The New Wave" fue lanzado limitadamente. El sencillo también contenía la mezcla final de The New Wave, "Alive". . En 1995 volvieron al estudio para grabar "Da Funk", su segundo sencillo. Ese mismo año se convirtió en su primer sencillo comercialmente exitoso. La banda firmo con Virgin Records en 1996. Alive y Da Funk fueron posteriormente incluidos en su álbum debut en 1997, Homework. El sencillo más exitoso de Homework fue "Around The world". Junto con este disco salió la película D.A.F.T. A Story About Dogs, Androids, Firemen and Tomatoes que precisamente eran los videos Da Funk, Around The World, Burnin' y Revolution 909 unidos como si fuera una película.
[editar] Era Discovery (1999-2003)
En 1999 el dúo comenzó a grabar su siguiente álbum, Discovery, que tomo un estilo orientado al synth pop, lo que inicialmente sorprendió a muchos de los fanáticos de Homework. El álbum llego al #2 en el Reino Unido y su primer sencillo, "One More Time" fue un éxito de club mayor.
Los sencillos Digital Love y Harder Better Faster Stronger también alcanzaron éxito en el Reino Unido y los Estados Unidos ademas en algunos países de América latina llegaron a el primer lugar . Un extracto de 45 minutos de un concierto del Daftendirekttour fue lanzado en 2001, titulado alive 1997. En 2003 se lanzó una película animada Interstella 5555. Para promover la película se lanzó el álbum Daft Club que contiene remezclas anteriormente disponibles por la membresía en Internet del mismo nombre.
[editar] Era "Daft Club" (2003-2005)
En 2003 el dúo sacó un album de remixes llamado Daft Club que promocionaba a daftclub.com. Contiene remixes de "Aerodynamic", "Harder, Better, Faster, Stronger", "Face To Face", "Phoenix", "Digital Love", y "Crescendolls". Trae la canción "Too Long" en versión piano, "One More Time" en guitarra y "Something About Us" en versión editada. Los que hacen los remixes son -Daft Punk -The Neptunes -Cosmo Vitelli -Basement Jaxx -Boris Dlugosh -Jess & DJ Crabbe -Demon -Laidback Luke -Slum Village La versión de Too Long en piano es interpretada por Gonzales y "One More Time" en guitarra por Romantony
[editar] Era Human After All (2005-2007)
El 14 de marzo de 2005, Daft Punk lanzó un álbum llamado Human After All, que contiene diez canciones con una duración de 40 minutos, y realizado en un periodo de seis semanas. Los singles más conocidos del disco son "Technologic", Robot Rock, y Human After All.
Recientemente Daft Punk hizo un 'greatest hits' (grandes éxitos), una colección en CD/DVD titulada "Musique Vol. 1 1993-2005", lanzado el 4 de abril de 2006. Existe el rumor de que fue un acto obligatorio debido a su contrato con Virgin Records.En esta colección hay nuevos vídeos como " The Prime Time of Your Life" y "Robot Rock (Maximum Overdrive)".Tambien lanzo un album llamado "Human After All Remixes" que tenia remezclas del album del mismo nombre, incluyendo la cancion "Robot Rock (Maximum Overdrive)"
Daft Punk hizo en 2006 una película llamada "Electroma" que se vio en el Festival de Cannes, como tema principal a "Human After All".
EMI France ha editado ya el disco "Alive 2007", recopilatorio del concierto grabado la noche del 14 de junio en Bercy, la ciudad de París, Francia. Este disco ha sido presentado en 2 versiones, una sencilla de un solo disco y otra más que contiene 2 discos y un álbum fotográfico, con las imágenes tomadas durante sus presentaciones en esta gira, además del nuevo vídeo de Harder, Better, Faster, Stronger (el cuál fue tomado con 200 cámaras repartidas por toda la audiencia en el concierto realizado en Brooklyn, Nueva York el 9 de agosto).
[editar] Proyectos recientes (2008)
En 2008, Daft Punk ofreció a sus fans un "GIFT PACK", en donde contiene el disco de "Musique Vol.1 1993 - 2005" y el de "Daft Club", incluyendo también el DVD de "Interstella 5555 - The 5tory of the 5ecret 5tar 5ystem"
Actualmente el duo parisino se encuentra editando su cuarto álbum de estudio, pero todavía no se conoce el nombre ni la fecha.
Recientemente con el afán de conmemorar la toma de posesión del Presidente de los Estados Unidos de América, Barack Obama, se presentó al mediodía del martes 20 de enero de 2009 un videoclip llamado "Aer Obama". La melodía es una mezcla que el DJ británico Adam Freeland hace de la canción original "Aerodynamic", con diferentes animaciones intercaladas del tour Alive 2007 de Daft Punk y el deletreo del apellido del presidente en cuestión.[cita requerida]
El 4 de marzo de 2009, fue anunciado de que Daft Punk compondría la banda sonora de Tron Legacy. En el San Diego Comic-Con de 2009, fue revelado que el grupo había compuesto 24 canciones para la película, el soundtrack se liberara en el 23 de noviembre.
El 11 de septiembre de 2009 en el videojuego de activision DJ Hero, se incluyen 11 mash-ups de Daft Punk y Daft Punk son personajes jugables.
Actualmente el duo parisino se prepara para una gira a mediados de 2010-2011 de las cuales ya se dieron confirmadas unas fechas en Estados Unidos, Europa y Australia.
Se circula una lista de peticiones para llevarlos al Electric Daisy Carnival 2010, a pesar de haber muchas espectativas, solo puede ser confirmado por ellos.
Discografía
[editar] Sencillos
• Darlin (1992) y Cindy, So Loud (1992)
• The New Wave (1994)
• Da Funk (1995 con Soma y 1996 con Virgin)
• Around the World (1997)
• Burnin' (1997)
• Revolution 909 (1998)
• One More Time (2000)
• Aerodynamic (2001)
• Digital Love (2001)
• Face to face (sencillo de lanzamiento limitado)(2002)
• Harder, Better, Faster, Stronger (2001).
• Robot Rock (2005)
• Technologic (2005)
• Human After All (2005)
• The Prime Time of your Life (2006)
• Harder, Better, Faster, Stronger (Alive 2007)
[editar] Álbumes de Estudio
[editar] Homework (1997)
1. Daftendirekt (2:45)
2. WDPK 83.7 FM (0:28)
3. Revolution 909 (5:28)
4. Da Funk (5:28)
5. Phoenix (4:55)
6. Fresh (4:08)
7. Around the World (7:08)
8. Rollin' & Scratchin' (7:28)
9. Teachers (2:52)
10. High Fidelity (6:02)
11. Rock'n Roll (7:47)
12. Oh Yeah (2:01)
13. Burnin' (6:54)
14. Indo Silver Club (4:32)
15. Alive (5:14)
16. Funk Ad (0:51)
[editar] Discovery (2001)
1. One More Time (5:20)
2. Aerodynamic (3:27)
3. Digital Love (4:58)
4. Harder, Better, Faster, Stronger (3:47)
5. Crescendolls (3:31)
6. Nightvision (1:45)
7. Superheroes (3:57)
8. High Life (3:48)
9. Something About Us (3:50)
10. Voyager (3:47)
11. Veridis Quo (5:45)
12. Short Circuit (3:26)
13. Face to Face (4:00)
14. Too Long (10:00)
[editar] Human After All (2005)
1. Human After All (5:19)
2. The Prime Time of your Life (4:23)
3. Robot Rock (4:47)
4. Steam Machine (5:21)
5. Make Love (4:49)
6. The Brainwasher (4:08)
7. On/Off (0:19)
8. Television Rules the Nation (4:47)
9. Technologic (4:44)
10. Emotion (6:57)
[editar] Otros Álbumes
[editar] Alive 1997 (2001)
1. Alive 1997 (Daftendirekt / Da Funk / WDPK Part 1 / Rollin' And Scratchin' / WDPK Part 2 / Alive) (2000:40)
[editar] Daft Club (2003)
1. Ouverture (2:41)
2. Aerodynamic (Daft Punk Remix) (6:10)
3. Harder, Better, Faster, Stronger (The Neptunes Remix) (5:11)
4. Face to Face (Cosmo Vitelli Remix)
5. Phoenix (Basement Jaxx remix) (7:53)
6. Digital Love (Boris Dlugosh Remix) (7:30)
7. Harder, Better, Faster, Stronger (Jess & Crabe Remix)
8. Face to Face (Demon Remix)
9. Crescendolls (Laidback Remix) (5:25)
Carl Cox
Cuando se trata de dilucidar quién es el mejor disc-jockey del mundo, resulta difícil ponerse de acuerdo. Unos dicen que Jeff Mills, otros que Sasha, otros que Laurent Garnier y otros que Danny Tenaglia. Pero de lo que no cabe ninguna duda es de que el nombre de Carl Cox, con toda su impresionante humanidad, figura siempre en la lista de los favoritos. Y, desde luego, se lo ha ganado a pulso, porque su carrera es la historia de un esfuerzo tremendo por conseguir dominar la técnica de los platos y por llegar al corazón del público. Un público que, por cierto, lo adora.
Nacido en 1962 cerca de Manchester, en Oldham (Gran Bretaña), Cox era hijo de unos inmigrantes procedentes de Barbados, que le inocularon el virus de la música desde muy pequeño. De hecho, el propio Carl Cox afirma que a los ocho años ya empezó a practicar como dj … en las fiestas familiares que se celebraban en su casa, pinchando discos de James Brown, Wilson Pickett y hits de la Tamla Motown, pero sin hacerle ascos tampoco a Elvis Presley, el reggae o la música latina.
Más tarde, se trasladaría a Londres para estudiar ingeniería eléctrica, que no llegó a terminar porque se enroló en la vida nocturna e incluso pasó alguna temporada en la cárcel debido a algún escarceo como delincuente juvenil. Así hasta que conoció a Maxine Bradshaw y se trasladó con ella a la ciudad costera de Brighton, donde estuvo pinchando en pubs y hoteles, ejerciendo como profesional a partir de 1985. Pero su oportunidad de oro le llegó cuando actuó en Oxford en 1989 en el marco del rave Midsummer Night Dream. Allí fue visto por la élite del acid house británico (entre ellos, Paul Oakenfold y Nicky Holloway), tras lo cual fue llamado por Danny Rampling para pinchar en el Shoom, mítico club londinense de la era acid. Pero, al comprobar que se llevaba al público de calle y que su éxito superaba al del propio Rampling, poco después sería puesto de patitas en la calle. El propio Cox ha dicho que eso sucedió "porque no se tomó las pastillas oportunas con la gente adecuada en su debido momento". En cualquier caso, Carl Cox seguiría actuando en otros clubs "ácidos" como Spectrum y Land Of Oz, así como en numerosos raves, que harían que se incrementara su popularidad entre los technoheads. Precisamente, se dice de él que fue el primer dj en introducir el tercer plato en el rave Sunshine.
De esa época data ya su peculiar estilo, forjado en la fusión más vibrante de house y techno que se pueda escuchar. En 1990 publica su primer maxi, "Success & Effect", del que Cox dice que lo hizo en cinco minutos. Tras fichar con Perfecto (el sello de Paul Oakenfold), editaría uno de sus mayores hits, "I Want You (Forever)", y crearía el proyecto Carl Cox Concept, con una formación a lo Prodigy, que incluía bailarines y rappers. Pero ni este proyecto ni su contrato con Perfecto durarían mucho. Así que decidió crear su propio sello discográfico, Worldwide Ultimatum (al que después han seguido Ultimatum Breaks y el más reciente Intec), su propio club, Ultimate Base, y, junto a su mujer Rachel, su propia agencia de management de dj´s, Ultimate Music Management. Todo un imperio en el que Cox está rodeado de otros disc-jockeys, que forman su corte particular: Jim Masters, Lulu, Trevor Rockliffe o DJ C1.
Tras una época en la que se dedicó a pinchar trance y hardcore techno para las masas de ravers, Carl Cox decidió volver a los clubs y recuperar el formato estilístico que más fama le ha dado, esa acertada combinación de techno y house que constituye ya su seña de identidad, su imagen de marca. En 1995 publicaría su primer CD-mix, "F.A.C.T.", cuyas siglas correspondían a "Future Alliance of Communication and Technology". Una explosiva mezcla de ritmos crujientes, funk espacial, techno-house de alto octanaje y trucos de pinchadiscos, en la que se podían escuchar temas de Morgan Wild, Jeff Mills, Quench (remezclado por el propio Carl Cox), DJ Hell, The Aloof o Thomas P.Heckman. Más tarde llegarían el segundo volumen de la serie, "F.A.C.T. 2" , así como otros CD-mix (ver lista en la discografía) que demuestran su enorme categoría como dj. Pero además, hay que recordar que Carl Cox ha publicado dos excelentes álbumes como productor. En el primero, "At the end of the cliche", de 1996, apostaba por los ritmos house más groovies y el techno de hechuras perfectas. Mientras que el segundo, "Phuture 2000", de 1999, en el que contaba con la colaboración de su amigo Dave Angel, se zambullía en las aguas de los ritmos latinos y del funk, sin por ello olvidarse de su característico sonido techno-house. En 1999 se produjo también su introducción en el mundo del cine, al convertirse en uno de los protagonistas de la película "Human Traffic", que trata sobre el mundillo que rodea a la dance music. Desde hace varios años, escribe una columna mensual sobre sus viajes por el mundo como dj en la prestigiosa revista británica Muzik. Y no hay club que se le resista: desde los templos del acid como el Shoom o el Land Of Oz hasta el superclub Home, pasando por Final Frontier o, por supuesto, Florida 135 y tantos otros, que han sucumbido a los irresistibles encantos del campeón de los pesos pesados del techno. Ha actuado den todos los raves importantes, y, en el cambio del año 1999 al 2000, consiguió la proeza de pinchar la misma Nochevieja en Australia y en Hawai. Y lo mejor es que parece que la mecha nunca se le acaba. Carl Cox, el techno más contundente.
Discography
[edit] Albums
• 1996 At The End Of The Cliche, edel UK Records/Worldwide Ultimatum Records
• 1999 Phuture 2000, edel UK Records/Worldwide Ultimatum Records
• 2005 Second Sign, Play It Again Sam
[edit] Singles
• 1991 "I Want You (Forever)", Perfecto Records
• 1995 "Two Paintings And A Drum", edel UK Records/Worldwide Ultimatum Records
• 1996 "Sensual Sophis-ti-cat", edel UK Records/Worldwide Ultimatum Records
• 1996 "Tribal Jedi", edel UK Records/Worldwide Ultimatum Records
• 1998 "Phuture 2000", edel UK Records/Worldwide Ultimatum Records
• 1999 "Dr. Funk", edel UK Records/Worldwide Ultimatum Records
• 1999 "The Latin Theme", edel UK Records/Worldwide Ultimatum Records
• 2002 "Club Traxx Vol.1", Trust The DJ
• 2003 "Club Traxx Vol.2", Trust The DJ
• 2003 "Dirty Bass", 23rd Century Records
• 2003 "Space Calling", 23rd Century Records
• 2004 "Give Me Your Love" (Carl Cox Featuring Hannah Robinson), 23rd Century Records/Play It Again Sam
• 2006 "That's The Bass" (Carl Cox & Norman Cook), 23rd Century Records/Play It Again Sam
• 2007 "Got What You Paid 4!" (feat. Saffron)
• 2008 "I Want You (Forever)" (feat. Yousef), Perfecto Records
[edit] Compilations
• 1994 Nonstopmix 1994, Liquid Rec.
• 1994 Fantazia III - Made in Heaven Remix, Fantazia
• 1994 Fantazia The DJ Collection Carl Cox, Fantazia
• 1995 F.A.C.T., React
• 1997 F.A.C.T. 2, Worldwide Ultimatum Records
• 1998 DJF 250, Sony Music Entertainment
• 1998 Non Stop 98/01, FFRR Records
• 1998 The Sound Of Ultimate B.A.S.E., Worldwide Ultimatum Records
• 1999 Non Stop 2000, FFRR Records
• 1999 F.A.C.T. Australia, X-Over Recordings
• 2000 Mixed Live Crobar Nightclub, Chicago, Moonshine Music
• 2002 Global, Play It Again Sam
• 2002 Mixed Live 2nd Session Area 2, Detroit, Moonshine Music
• 2003 F.A.C.T. Australia II, Warner Music Group
• 2003 U60311 Compilation Techno Division Vol. 3, V2 Records
• 2004 Back To Mine, DMC Publishing
• 2004 Pure Intec, Intec Records
• 2006 Intec 50 EP, Intec Records
• 2007 Global, Play It Again Sam
• 2008 Ultimate Carl Cox, Ministry of Sound Australia
• 2010 Global Underground 38 - Black Rock Desert
[edit] Remixes
• 1991 Supreme Love Gods - "Cherry White (Carl Cox Remix)", One Little Indian
• 1991 art of Noise - "Shades Of Paranoimia (Carl Cox Remix)", China Records
• 1992 Eternal - "Eternal (Carl Cox Remix)", Underground Level Recordings
• 1992 Robert Owens - "Gotta Work (Carl's Renaissance Remix)", Freetown Inc.
• 1992 Patti Day - "Hot Stuff (Carl Cox Remix)", Starway Records
• 1992 DJ Phantasy - "Jepron (Carl Cox Remix)", Liquid Wax Recordings
• 1992 Sunscreem - "Perfect Motion (Carl Cox's Rhythm's A Drug Remix)", Sony BMG Music Entertainment
• 1993 Visa - "Let Me See Ya Move (Carl Cox's Militant March Remix)", MMR Productions
• 1993 Smooth But Hazzardous - "Made You Dance (Carl Cox Remix)", Sound Entity Records
• 1994 Laurent Garnier - "Astral Dreams (Carl Cox's MMR Remix)", F-Communications
• 1994 Trevor Rockcliffe Presents Glow - "Break The Law (Carl's Reconstructed Remix)", MMR Productions
• 1994 Quench - "Hope (Carl Cox Remix)", Infectious Records
• 1994 FKW - "Jingo (Carl Cox Remix)", PWL
• 1994 O.T.T. - "Raw (Carl Cox Remix)", Industrial Strength Records
• 1994 Aurora Borealis - "Raz (Carl's MMR Remix)", F-Communications
• 1994 English Muffin - "The Blood Of An English Muffin (Carl Cox Remix)", MMR Productions
• 1994 Lunatic Asylum - "The Meltdown (Carl Cox & John Selway's Circular Cycle Remix)", MMR Productions
• 1995 Jam & Spoon - "Angel (Ladadi O-Heyo) (Carl Cox Remix)", Epic Records
• 1995 The Stone Roses - "Begging You (Cox's Ultimatum Remix)", Geffen Records
• 1995 Yello - "L'Hotel (Carl Cox's Hands On Yello Remix)", Urban
• 1995 Dr. Fernando "Stomach Substance (Carl Cox Remix)", MMR Productions
• 1995 Infrequent Oscillation - "Burning Phibes (Carl Cox Remix)", MMR Productions
• 1995 Technohead - "Get Stoned (Carl Cox Remix)", Mokum Records
• 1995 AWeX - "It's Our Future (Carl Cox's Ultimate Remix)", Plastic City UK
• 1995 Slab - "Rampant Prankster (Carl Cox's Jumper Remix)", Hydrogen Dukebox
• 1995 Steve Mason & Tony Crooks - "Shallow Grave (Carl Cox's After Hours Remix)", Rain Forest Records
• 1995 Josh Abrahams - "March Time (Carl Cox Remix)", MMR Productions
• 1996 System 7 - "Hangar 84 (Cox's W.W. Ultimatum Remix)", Butterfly Records
• 1996 Electroliners - "Loose Caboose (Carl Cox Remix)", XL Recordings
• 1996 Barefoot Boys - "Need No Man (Cox's Harder Remix), Stealth Records
• 1996 The Advent - "Mad Dog (Carl Cox Remix)", Internal
• 1996 JX - "There's Nothing I Won't Do (Carl Cox's Full House Remix)", FFRR Records
• 1996 Consolidated - "This Is Fascism (Carl Cox's Burning Gold Remix)", MC Projects
• 1996 Vernon - "Vernon's Wonderland (Carl Cox's Full Remix)", Eye Q
• 1996 Poltergeist - "Vicious Circles (Carl Cox's MMR Remix)", Manifesto
• 1997 DJ SS - "DJs Anthem (Carl Cox Remix)", Formation Records
• 1997 Tenth Chapter - "Prologue (Carl Cox & Paul van Dyk Remix)", Jackpot
• 1999 Needle Damage - "That Zipper Track (Carl Cox Remix)", Worldwide Ultimatum Records
• 1999 Grooverider - "Where's Jack The Ripper (Carl Cox's Techno Radio Edit)", Higher Ground Records
• 2000 Tony Moran Featuring Cindy Mizelle - "Shine On (Carl Cox's Sweat Dub)", Contagious Records
• 2001 Slam - "Positive Education (Carl Cox's Intec Remix)", VC Recordings
• 2001 Trevor Rockcliffe & Blake Baxter - "Visions Of You (Carl Cox Remix)", Intec Records
• 2001 Ramirez - "Volcan De Passion (Carl Cox Remix)", Terapia
• 2002 Cormano - "Mangamana vs. Revenge (Carl Cox's Turntable Remix)" 4 Play Records, Inc.
• 2003 Tomaz vs Filterheadz - "Sunshine (Carl Cox Remix)", Intec Records
• 2003 Bad Cabbage - "You're Rude (Get Fucked) (Carl Cox's Not So Rude Remix)", Mutant Disc
• 2004 Eric Powell - "Don't Deny It (Carl Cox Remix)", 23rd Century Records
• 2004 Johan Cyber - "Natural Funk (Carl Cox Remix)", 23rd Century Records
• 2004 Cohen vs Deluxe - "Just Kick! (Carl Cox Remix)", Intec Records
• 2007 Sander Van Doorn - "Riff (Carl Cox's Global Remix)", Doorn Records
Antecedentes
Es música creada con medios electrónicos. Este concepto incluye la música compuesta con cintas magnetofónicas (que sólo existe sobre la cinta y se interpreta por medio de altavoces), la música electrónica en vivo (creada en tiempo real con sintetizadores y otros equipos electrónicos), la música concreta (creada a partir de sonidos grabados y luego modificados) y la música que combina el sonido de intérpretes en vivo y música electrónica grabada. Si bien estos tipos de música se refieren en principio a la naturaleza de la tecnología y las técnicas empleadas, estas divisiones son cada día menos claras. Hoy está en uso otra terminología como música por computadora, música electroacústica o música radiofónica, unas definiciones que suelen referirse más a la estética que a las tecnologías utilizadas.
Antecedentes históricos
En la década de 1910, los futuristas italianos, liderados por el compositor Luigi Russolo, concibieron una música creada con ruido y cajas de música electrónicas. Fue entonces cuando aparecieron los primeros instrumentos musicales electrónicos comerciales. No obstante, ciertos compositores visionarios como Alexander Skriabin o Henry Cowell habían soñado una música creada solamente por medios electrónicos, aunque este tipo de música electrónica no fue un hecho real hasta el desarrollo de la tecnología de la grabación de sonidos durante la II Guerra Mundial.
El compositor e ingeniero francés Maurice Martenot presentó en 1928 un instrumento electrónico llamado Ondas Martenot, un generador de bajas frecuencias manejado con un teclado de piano. En las décadas de 1940 y 1950 nacieron varios estudios de grabación, asociados a los nombres de figuras destacadas, cuyos objetivos eran específicamente artísticos. En Francia, el ingeniero de sonido y compositor Pierre Schaeffer fundó el estudio de Radio Francia (RTF) en París, compuesto por varias grabadoras, micrófonos y equipos para la edición de cintas. Las principales técnicas utilizadas para crear música consistían en cortar, pegar, empalmar o recorrer hacia atrás distintos fragmentos de la cinta grabada. Estas técnicas de manipulación de las cintas dieron lugar a un nuevo tipo de montaje de sonido, elaborado con mucho esfuerzo a partir de las grabaciones de sonido provenientes del mundo real. Schaeffer calificó los resultados como música concreta, un término que aún se sigue utilizando ampliamente, sobre todo en Francia. Su primer experimento en este nuevo género utilizaba sonidos de grabaciones de trenes. Todas sus obras de esa época eran breves estudios sobre sonidos y tienen títulos evocadores como la Sinfonía para un hombre solo, compuesta en colaboración con su colega (más joven que él) Pierre Henry. Los experimentos prácticos de Schaeffer en la composición de música electrónica se basaban en algunos escritos teóricos sobre el tema que influyeron en él. El estudio de Henry y Schaeffer atrajo a diversos compositores, entre los cuales destacaba Pierre Boulez.
A finales de la década de 1940 Werner Meyer-Eppler, físico y director del Instituto de Fonética de la Universidad de Bonn, presentó por vez primera el Vocoder, un dispositivo que conseguía sintetizar la voz humana. Su trabajo teórico influyó en los compositores relacionados con el estudio de la Radio de Alemania Occidental en Colonia (fundada en 1953), y cuyo interés giraba en torno a la síntesis electrónica de los sonidos mediante generadores de sonido y otros aparatos. El primer director del estudio de Colonia, Herbert Eimert, ejerció una gran influencia por su forma de utilizar el serialismo total como base para la construcción de obras electrónicas. Según este método, todos los aspectos de la música, incluidos el tono, el ritmo y el volumen relativo, quedaban bajo el control de unos principios definidos numéricamente. Los sonidos y aparatos electrónicos brindaban la precisión y el control necesarios para la realización de este concepto. Compositores como Bruno Maderna y Karlheinz Stockhausen elaboraron piezas electrónicas cortas, llamadas síntesis aditiva (véase la sección de síntesis del sonido más adelante). Estas obras se componían enteramente a partir de sonidos electrónicos.
A finales de los años cincuenta ya se habían establecido gran parte de los estudios de música electrónica de Europa. Los más importantes eran el de la RAI en Milán, fundado por Luciano Berio y Maderna, el Instituto de Sonología de Utrecht y el estudio EMS de Estocolmo. La división entre la música concreta y la música electrónica pura fue un fenómeno básicamente europeo. Si bien en EEUU surgieron varios estudios en aquella época las distinciones estéticas eran allí menos importantes. En la década de 1950 en Nueva York los compositores Otto Luening y Vladimir Ussachevski crearon músicas para cinta magnetofónica con un equipo de estudio muy rudimentario. Su música transformaba los sonidos grabados de instrumentos y voces mediante técnicas de manipulación de cintas y simples unidades de reverberación. A finales de la década se asociaron con el Centro de Música Electrónica de Columbia-Princeton, en el cual el compositor Milton Babbitt empleaba una enorme computadora RCA para crear una música compuesta con los mismos principios seriales que Eimert y Stockhausen en Colonia. Su obra Philomel (1964) fue una de las primeras composiciones para soprano solista y cinta magnetofónica. El desarrollo de la tecnología informática en las décadas de 1950 y 1960 llevó al establecimiento de una serie de estudios dedicados en exclusiva a la música por ordenador en universidades estadounidenses y, en menor medida, en Europa.
Durante los años sesenta y setenta los estadounidenses Lansky y Barry Vercoe, entre otros, desarrollaron paquetes de programas para música (programas informáticos diseñados para la manipulación y creación de sonido), que se entregaban gratuitamente a los compositores interesados. Esta tradición de software en las universidades de Estados Unidos ha contribuido en gran medida al crecimiento de la música por computadora en todo el mundo. Tanto el Centro para la Investigación Informática en Música y Acústica (CCRMA) de la Universidad de Stanford, en el estado de California, como el Institute de Recherche et de Coordination Acustique/Musique (IRCAM) de París (fundado por Pierre Boulez en 1977), utilizaron los ordenadores de forma significativa y continúan siendo centros influyentes en la composición de música electrónica en la actualidad.
El rápido desarrollo de la tecnología informática durante los últimos 15 años ha conducido a una revolución en la música por computadora y en la música electrónica en general. Los ordenadores son ahora más asequibles, y los programas informáticos, que antes eran muy lentos, funcionan ahora en cuestión de segundos o incluso de forma simultánea a los instrumentos. Son muchas las universidades actuales equipadas con un estudio de música por ordenador y varios países tienen estudios nacionales, dedicados a la composición de música electrónica. Además, los músicos trabajan cada vez más de forma independiente, en estudios particulares.
Los sintetizadores y los instrumentos de música electrónica
A principios del siglo XX se inventaron instrumentos electrónicos como el Telharmonium o el Theremin, pero eran muy rudimentarios en su construcción y complicados en su funcionamiento. Los sintetizadores e instrumentos electrónicos con amplificación, susceptibles de ser utilizados en las actuaciones en vivo, se perfeccionaron en la década de 1960. La computadora central RCA fue en esencia uno de los primeros sintetizadores electrónicos. El aparato contenía todos los recursos necesarios para generar y modificar los sonidos por medios electrónicos. En los sesenta, Robert Moog, Don Buchla y los fabricantes británicos EMS, entre otros, comenzaron a producir sintetizadores que utilizaban el control de voltajes. Se trataba de un medio electrónico para variar el tono o el volumen, y se empleaba para crear, filtrar y modificar, sonidos electrónicos. Pronto aparecieron sintetizadores que ofrecían una serie de sonidos y efectos pregrabados. Éstos serían utilizados cada vez más con propósitos comerciales, desde los anuncios de la televisión hasta la música para películas de ciencia-ficción. Hoy existe una amplia variedad de sintetizadores, capaces de imitar casi cualquier sonido y de crear gamas tonales y timbres completamente nuevos.
Los nuevos instrumentos musicales electrónicos de la década de 1960 también contribuyeron al crecimiento de la música electrónica en vivo, en la cual la creación y la manipulación electrónica del sonido ocurren en tiempo real (es decir, que se tocan y se escuchan en el momento). Al mismo tiempo, ciertos compositores creaban música electrónica en vivo con equipos fabricados por ellos mismos. La obra Solo de Stockhausen (1966), por ejemplo, utilizaba un complejo sistema de retardo de la grabación que requería cuatro ayudantes para su interpretación. Durante la década de 1960 surgieron numerosos grupos de música electrónica en vivo, muchos de los cuales interpretaban música improvisada de carácter teatral. En años recientes, la revolución tecnológica también se tradujo en la aparición de numerosos instrumentos electrónicos y programas de ordenador diseñados para las actuaciones en directo. Destacan, entre otros, el músico y diseñador de instrumentos Michel Waisvisz, que trabaja en los estudios STEIM de Holanda, inventor de diversos instrumentos como el llamado The Hands (las manos), en el cual el movimiento de las manos del intérprete en el espacio activa sonidos complejos y permite manipulaciones sónicas. El compositor-intérprete estadounidense George Lewis combina la improvisación al trombón con programas personalizados de composición por ordenador que trabajan de forma simultánea. La estación de trabajo de procesamiento de señales desarrollada en el IRCAM permite una manipulación muy compleja en tiempo real de los sonidos instrumentales y sintéticos. Además de estos interfaces (superficie de contacto) altamente especializados, muchos compositores e intérpretes utilizan algunas cajas de efectos disponibles en el mercado, diseñadas pensando en el mercado de la música popular.
La evolución del sintetizador y la guitarra eléctrica a partir de los años cincuenta también ha influido en gran medida en el mundo del pop y la música rock. Los avances tecnológicos fueron acogidos con entusiasmo por grupos como The Grateful Dead, Pink Floyd y la Velvet Underground. En la década de 1980 se inventó una nueva forma de trabajar con instrumentos de música electrónica dirigida al mercado popular: el llamado MIDI (interface digital de instrumentos musicales). El MIDI no es un instrumento musical, sino un medio que permite a los sintetizadores y otros equipos comunicarse unos con otros mediante el envío de instrucciones digitales. Por ejemplo, mediante el MIDI un intérprete puede hacer que varios sintetizadores respondan cuando se toque uno de ellos. El uso de la tecnología musical en la música pop y rock es tan importante que la naturaleza de los instrumentos y las otras tecnologías musicales relacionadas con la música electrónica están dictadas, en gran medida, por las necesidades de la industria del rock.
La síntesis del sonido y las técnicas de procesamiento
Las diferentes técnicas utilizadas para crear música electrónica pueden dividirse entre las que se usan para crear nuevos sonidos y las que se utilizan para modificar, o transformar, sonidos ya registrados. En épocas pasadas se usaban osciladores y filtros de control por voltaje, pero estas funciones las realiza hoy el ordenador. La creación de sonidos completamente nuevos obtenidos por la superposición o la mezcla de sonidos puros es un proceso llamado síntesis aditiva. Por otra parte, el modelado de sonidos o filtración de ruido se conoce como síntesis sustractiva. El compositor francés Jean-Claude Risset ha diseñado muchos timbres por síntesis aditiva en obras como Mutations I (1979), mientras que el estadounidense Charles Dodge usa la síntesis sustractiva con gran efectividad en su obra Cascando (1983). La síntesis por frecuencia modulada (FM), documentada por vez primera por el compositor estadounidense John Chowning en la década de 1960, se emplea como vía para crear sonidos sintéticos complejos. Su pieza para cinta Stria (1976) está compuesta de varios timbres FM mezclados. Se pueden usar filtros de diferentes tipos para acentuar tonos o armonías específicas, y los sonidos pueden prolongarse en el tiempo, o elevarse y bajarse de tono, gracias a técnicas como el vocoding de fase o codificación predictiva lineal. Las Seis fantasías sobre un poema de Thomas Campion de Paul Lansky (1979) son una obra pionera en este área. Además, se usan técnicas de reverberación para añadir ecos o un cierto retardo a los sonidos grabados o sintetizados, mientras que se utilizan técnicas de simulación de espacios o salas para imitar el carácter acústico de las grandes salas de conciertos y otros espacios. Todas estas técnicas, aisladas o combinadas, son de uso frecuente entre los compositores de música electrónica.
Música electrónica
La síntesis del sonido y las técnicas de procesamiento
Las diferentes técnicas utilizadas para crear música electrónica pueden dividirse entre las que se usan para crear nuevos sonidos y las que se utilizan para modificar, o transformar, sonidos ya registrados. En épocas pasadas se
usaban osciladores y filtros de control por voltaje, pero estas funciones las realiza hoy el ordenador. La creación de sonidos completamente nuevos obtenidos por la superposición o la mezcla de sonidos puros es un proceso llamado síntesis aditiva. Por otra parte, el modelado de sonidos o filtración de ruido se conoce como síntesis sustractiva. El compositor francés Jean-Claude Risset ha diseñado muchos timbres por síntesis aditiva en obras como Mutations I (1979), mientras que el estadounidense Charles Dodge usa la síntesis sustractiva con gran efectividad en su obra Cascando (1983). La síntesis por frecuencia modulada
(FM), documentada por vez primera por el compositor estadounidense John Chowning en la década de 1960, se emplea como vía para crears sonidos sintéticos complejos. Su pieza para cinta Stria (1976) está compuesta de varios timbres FM mezclados. Se pueden usar filtros de diferentes tipos para acentuar tonos o armonías específicas, y los sonidos pueden prolongarse en el tiempo, o elevarse y bajarse de tono, gracias a técnicas como el vocoding de
fase o codificación predictiva lineal. Las Seis fantasías sobre un poema de Thomas Campion de Paul Lansky (1979) son una obra pionera en este área. Además, se usan técnicas de reverberación para añadir ecos o un cierto retardo a los
sonidos grabados o sintetizados, mientras que se utilizan técnicas de simulación de espacios o salas para imitar el carácter acústico de las grandes salas de conciertos y otros espacios. Todas estas técnicas, aisladas o combinadas, son de uso frecuente entre los compositores de música electrónica.
Música por ordenador y música electroacústica
La música por ordenador se caracteriza por el empleo de la tecnología digital. Si la música creada mediante el corte y pegado de cintas utilizaba grabadoras y dispositivos analógicos, los ordenadores almacenan la información de forma digital, como números que pueden manipularse mediante procesos matemáticos usando programas informáticos. Desde la década de 1960 los términos música electroacústica y por ordenador se refieren, respectivamente aunque no de forma
constante, a la música analógica y a la digital. Hoy esos términos se usan casi de forma equivalente, dado que casi toda la música electrónica utiliza ahora tecnología digital.
Son hoy muchos los compositores que escriben música electrónica, en una gran variedad de estilos. En alguno de estos casos la tecnología digital ofrece la oportunidad de crear una música para cinta magnetofónica que explore los sonidos del entorno natural. El compositor francés Luc Ferrari ha escrito una serie de piezas, Presque Rien nº 1-3, usando grabaciones directas de los sonidos del mar
o del campo. Otros compositores, como Denis Smalley en el Reino Unido o el argentino Horacio Vaggione, continúan la tradición de la música concreta en la que los sonidos grabados son sometidos a un procesamiento y una edición muy
intensas. Este tipo de música, en la que los sonidos grabados son tratados como objetos sonoros abstractos, es conocido como acusmática. Para compositores como el canadiense Robert Normandeau es importante cómo se presenta la música de cinta en una actuación. Su obra Spleen (1993) ha de interpretarse con varios altavoces.
Avances futuros
La música electrónica es, con relación a la música en general, un campo muy nuevo que ha sabido adaptarse a los rápidos avances tecnológicos. En años recientes ha habido enormes avances en la tecnología interactiva y multimedia,
de gran influencia en el carácter de la música electrónica y en su interpretación. La disponibilidad de cada vez mayor tecnología de comunicaciones como Internet y otras redes informáticas han permitido a los compositores intercambiar programas de música e incluso sonidos grabados. Si se observa este género de forma aislada, tanto desde el punto de vista de los compositores como del público, se apreciarán las diferencias tecnológicas y estéticas con respecto a la música convencional. Hoy son muchos los practicantes de este género que ven la música electrónica como una parte del todo que constituye la música. Muchas
obras combinan sonidos electrónicos y acústicos(instrumentales). Buen número de compositores de este género trabajan en colaboración con otros medios como el vídeo, el cine o la danza. Quizá en el futuro el término
música electrónica desaparezca, una vez que tanto la tecnología electrónica como la informática estén plenamente integradas en el mundo del compositor.
Que es un sintetizador?
Un sintetizador es un aparato que genera y manipula sonidos por medios electrónicos. Con este artefacto se pueden crear nuevos sonidos así como reproducir los de los instrumentos musicales conocidos. La forma de la onda generada es alterada en su duración, altura y timbre mediante el uso de
dispositivos tales como amplificadores, mezcladores, filtros, reverberadores, secuenciadores y moduladores de frecuencia. El primer sintetizador apareció en 1955. Fue desarrollado por Olsen y Belar en la Radio Corporation of America (RCA) en Princeton. Estaba destinado a investigar las propiedades del sonido, no a ser un instrumento musical. Varios compositores se interesaron en ampliar las
posibilidades de producción de sonidos y en controlar todos los aspectos de la música gracias a esta herramienta. Entre ellos destacan Milton Babbitt, Marion Davido, Morton Subotnik y Charles Wuorinen. El sintetizador más conocido es el Moog, la primera máquina sencilla indicada hasta para el uso doméstico, que recibe su nombre del ingeniero estadounidense Robert Moog, quien desarrolló el primer prototipo en 1964. Apareció en la década de 1960. Se maneja
con uno o más teclados. Es posible crear un número casi infinito de sonidos y combinaciones y pueden imitarse muchos instrumentos. También pueden producirse sonidos que superan la capacidad de los instrumentos convencionales y que se combinan con los que captan los micrófonos. Además de su utilidad en la composición, los sintetizadores se utilizan para adaptar música instrumental, como en las conocidas grabaciones de Johann Sebastian Bach que Walter Carlos realizó en 1969. El sintetizador Moog fue seguido por otros de diseño similar de empresas como Buchla y Putney. Entre 1960 y 1980 se fabricaron aparatos más
reducidos que usaban microprocesadores, con lo que se hizo posible la grabación digital del sonido. Han utilizado estos instrumentos tanto músicos de formación clásica como grupos de música pop.
Música por ordenador y música electroacústica
La música por ordenador se caracteriza por el empleo de la tecnología digital. Si la música creada mediante el corte y pegado de cintas utilizaba grabadoras y dispositivos analógicos, los ordenadores almacenan la información de forma digital, como números que pueden manipularse mediante procesos matemáticos usando programas informáticos. Desde la década de 1960 los términos música electroacústica y por ordenador se refieren, respectivamente aunque no de forma constante, a la música analógica y a la digital. Hoy esos términos se usan casi de forma equivalente, dado que casi toda la música electrónica utiliza ahora tecnología digital.
Son hoy muchos los compositores que escriben música electrónica, en una gran variedad de estilos. En alguno de estos casos la tecnología digital ofrece la oportunidad de crear una música para cinta magnetofónica que explore los sonidos del entorno natural. El compositor francés Luc Ferrari ha escrito una serie de piezas, Presque Rien nº 1-3, usando grabaciones directas de los sonidos del mar o del campo. Otros compositores, como Denis Smalley en el Reino Unido o el argentino Horacio Vaggione, continúan la tradición de la música concreta en la que los sonidos grabados son sometidos a un procesamiento y una edición muy intensas. Este tipo de música, en la que los sonidos grabados son tratados como objetos sonoros abstractos, es conocido como acusmática. Para compositores como el canadiense Robert Normandeau es importante cómo se presenta la música de cinta en una actuación. Su obra Spleen (1993) ha de interpretarse con varios altavoces.
Avances futuros
La música electrónica es, con relación a la música en general, un campo muy nuevo que ha sabido adaptarse a los rápidos avances tecnológicos. En años recientes ha habido enormes avances en la tecnología interactiva y multimedia, de gran influencia en el carácter de la música electrónica y en su interpretación. La disponibilidad de cada vez mayor tecnología de comunicaciones como Internet y otras redes informáticas han permitido a los compositores intercambiar programas de música e incluso sonidos grabados. Si se observa este género de forma aislada, tanto desde el punto de vista de los compositores como del público, se apreciarán las diferencias tecnológicas y estéticas con respecto a la música convencional. Hoy son muchos los practicantes de este género que ven la música electrónica como una parte del todo que constituye la música. Muchas obras combinan sonidos electrónicos y acústicos (instrumentales). Buen número de compositores de este género trabajan en colaboración con otros medios como el vídeo, el cine o la danza. Quizá en el futuro el término música electrónica desaparezca, una vez que tanto la tecnología electrónica como la informática estén plenamente integradas en el mundo del compositor.
Las diferentes técnicas utilizadas para crear música electrónica pueden dividirse entre las que se usan para crear nuevos sonidos y las que se utilizan para modificar, o transformar, sonidos ya registrados. En épocas pasadas se
usaban osciladores y filtros de control por voltaje, pero estas funciones las realiza hoy el ordenador. La creación de sonidos completamente nuevos obtenidos por la superposición o la mezcla de sonidos puros es un proceso llamado síntesis aditiva. Por otra parte, el modelado de sonidos o filtración de ruido se conoce como síntesis sustractiva. El compositor francés Jean-Claude Risset ha diseñado muchos timbres por síntesis aditiva en obras como Mutations I (1979), mientras que el estadounidense Charles Dodge usa la síntesis sustractiva con gran efectividad en su obra Cascando (1983). La síntesis por frecuencia modulada
(FM), documentada por vez primera por el compositor estadounidense John Chowning en la década de 1960, se emplea como vía para crears sonidos sintéticos complejos. Su pieza para cinta Stria (1976) está compuesta de varios timbres FM mezclados. Se pueden usar filtros de diferentes tipos para acentuar tonos o armonías específicas, y los sonidos pueden prolongarse en el tiempo, o elevarse y bajarse de tono, gracias a técnicas como el vocoding de
fase o codificación predictiva lineal. Las Seis fantasías sobre un poema de Thomas Campion de Paul Lansky (1979) son una obra pionera en este área. Además, se usan técnicas de reverberación para añadir ecos o un cierto retardo a los
sonidos grabados o sintetizados, mientras que se utilizan técnicas de simulación de espacios o salas para imitar el carácter acústico de las grandes salas de conciertos y otros espacios. Todas estas técnicas, aisladas o combinadas, son de uso frecuente entre los compositores de música electrónica.
Música por ordenador y música electroacústica
La música por ordenador se caracteriza por el empleo de la tecnología digital. Si la música creada mediante el corte y pegado de cintas utilizaba grabadoras y dispositivos analógicos, los ordenadores almacenan la información de forma digital, como números que pueden manipularse mediante procesos matemáticos usando programas informáticos. Desde la década de 1960 los términos música electroacústica y por ordenador se refieren, respectivamente aunque no de forma
constante, a la música analógica y a la digital. Hoy esos términos se usan casi de forma equivalente, dado que casi toda la música electrónica utiliza ahora tecnología digital.
Son hoy muchos los compositores que escriben música electrónica, en una gran variedad de estilos. En alguno de estos casos la tecnología digital ofrece la oportunidad de crear una música para cinta magnetofónica que explore los sonidos del entorno natural. El compositor francés Luc Ferrari ha escrito una serie de piezas, Presque Rien nº 1-3, usando grabaciones directas de los sonidos del mar
o del campo. Otros compositores, como Denis Smalley en el Reino Unido o el argentino Horacio Vaggione, continúan la tradición de la música concreta en la que los sonidos grabados son sometidos a un procesamiento y una edición muy
intensas. Este tipo de música, en la que los sonidos grabados son tratados como objetos sonoros abstractos, es conocido como acusmática. Para compositores como el canadiense Robert Normandeau es importante cómo se presenta la música de cinta en una actuación. Su obra Spleen (1993) ha de interpretarse con varios altavoces.
Avances futuros
La música electrónica es, con relación a la música en general, un campo muy nuevo que ha sabido adaptarse a los rápidos avances tecnológicos. En años recientes ha habido enormes avances en la tecnología interactiva y multimedia,
de gran influencia en el carácter de la música electrónica y en su interpretación. La disponibilidad de cada vez mayor tecnología de comunicaciones como Internet y otras redes informáticas han permitido a los compositores intercambiar programas de música e incluso sonidos grabados. Si se observa este género de forma aislada, tanto desde el punto de vista de los compositores como del público, se apreciarán las diferencias tecnológicas y estéticas con respecto a la música convencional. Hoy son muchos los practicantes de este género que ven la música electrónica como una parte del todo que constituye la música. Muchas
obras combinan sonidos electrónicos y acústicos(instrumentales). Buen número de compositores de este género trabajan en colaboración con otros medios como el vídeo, el cine o la danza. Quizá en el futuro el término
música electrónica desaparezca, una vez que tanto la tecnología electrónica como la informática estén plenamente integradas en el mundo del compositor.
Que es un sintetizador?
Un sintetizador es un aparato que genera y manipula sonidos por medios electrónicos. Con este artefacto se pueden crear nuevos sonidos así como reproducir los de los instrumentos musicales conocidos. La forma de la onda generada es alterada en su duración, altura y timbre mediante el uso de
dispositivos tales como amplificadores, mezcladores, filtros, reverberadores, secuenciadores y moduladores de frecuencia. El primer sintetizador apareció en 1955. Fue desarrollado por Olsen y Belar en la Radio Corporation of America (RCA) en Princeton. Estaba destinado a investigar las propiedades del sonido, no a ser un instrumento musical. Varios compositores se interesaron en ampliar las
posibilidades de producción de sonidos y en controlar todos los aspectos de la música gracias a esta herramienta. Entre ellos destacan Milton Babbitt, Marion Davido, Morton Subotnik y Charles Wuorinen. El sintetizador más conocido es el Moog, la primera máquina sencilla indicada hasta para el uso doméstico, que recibe su nombre del ingeniero estadounidense Robert Moog, quien desarrolló el primer prototipo en 1964. Apareció en la década de 1960. Se maneja
con uno o más teclados. Es posible crear un número casi infinito de sonidos y combinaciones y pueden imitarse muchos instrumentos. También pueden producirse sonidos que superan la capacidad de los instrumentos convencionales y que se combinan con los que captan los micrófonos. Además de su utilidad en la composición, los sintetizadores se utilizan para adaptar música instrumental, como en las conocidas grabaciones de Johann Sebastian Bach que Walter Carlos realizó en 1969. El sintetizador Moog fue seguido por otros de diseño similar de empresas como Buchla y Putney. Entre 1960 y 1980 se fabricaron aparatos más
reducidos que usaban microprocesadores, con lo que se hizo posible la grabación digital del sonido. Han utilizado estos instrumentos tanto músicos de formación clásica como grupos de música pop.
Música por ordenador y música electroacústica
La música por ordenador se caracteriza por el empleo de la tecnología digital. Si la música creada mediante el corte y pegado de cintas utilizaba grabadoras y dispositivos analógicos, los ordenadores almacenan la información de forma digital, como números que pueden manipularse mediante procesos matemáticos usando programas informáticos. Desde la década de 1960 los términos música electroacústica y por ordenador se refieren, respectivamente aunque no de forma constante, a la música analógica y a la digital. Hoy esos términos se usan casi de forma equivalente, dado que casi toda la música electrónica utiliza ahora tecnología digital.
Son hoy muchos los compositores que escriben música electrónica, en una gran variedad de estilos. En alguno de estos casos la tecnología digital ofrece la oportunidad de crear una música para cinta magnetofónica que explore los sonidos del entorno natural. El compositor francés Luc Ferrari ha escrito una serie de piezas, Presque Rien nº 1-3, usando grabaciones directas de los sonidos del mar o del campo. Otros compositores, como Denis Smalley en el Reino Unido o el argentino Horacio Vaggione, continúan la tradición de la música concreta en la que los sonidos grabados son sometidos a un procesamiento y una edición muy intensas. Este tipo de música, en la que los sonidos grabados son tratados como objetos sonoros abstractos, es conocido como acusmática. Para compositores como el canadiense Robert Normandeau es importante cómo se presenta la música de cinta en una actuación. Su obra Spleen (1993) ha de interpretarse con varios altavoces.
Avances futuros
La música electrónica es, con relación a la música en general, un campo muy nuevo que ha sabido adaptarse a los rápidos avances tecnológicos. En años recientes ha habido enormes avances en la tecnología interactiva y multimedia, de gran influencia en el carácter de la música electrónica y en su interpretación. La disponibilidad de cada vez mayor tecnología de comunicaciones como Internet y otras redes informáticas han permitido a los compositores intercambiar programas de música e incluso sonidos grabados. Si se observa este género de forma aislada, tanto desde el punto de vista de los compositores como del público, se apreciarán las diferencias tecnológicas y estéticas con respecto a la música convencional. Hoy son muchos los practicantes de este género que ven la música electrónica como una parte del todo que constituye la música. Muchas obras combinan sonidos electrónicos y acústicos (instrumentales). Buen número de compositores de este género trabajan en colaboración con otros medios como el vídeo, el cine o la danza. Quizá en el futuro el término música electrónica desaparezca, una vez que tanto la tecnología electrónica como la informática estén plenamente integradas en el mundo del compositor.
Historia
Música con máquinas
Es música creada con medios electrónicos. Este concepto incluye la música compuesta con cintas magnetofónicas (que sólo existe sobre la cinta y se interpreta por medio de altavoces), la música electrónica en vivo (creada en
tiempo real con sintetizadores y otros equipos electrónicos), la música concreta(creada a partir de sonidos grabados y luego modificados) y la música que combina el sonido de intérpretes en vivo y música electrónica grabada. Si bien estos tipos de música se refieren en principio a la naturaleza de la tecnología
y las técnicas empleadas, estas divisiones son cada día menos claras. Hoy está en uso otra terminología como música por computadora, música electroacústica o música radiofónica, unas definiciones que suelen referirse más a la estética que a las tecnologías utilizadas.
Antecedentes históricos
En la década de 1910, los futuristas italianos, liderados por el compositor Luigi Russolo, concibieron una música creada con ruido y cajas de música electrónica. Fue entonces cuando aparecieron los primeros instrumentos
musicales electrónicos comerciales. No obstante, ciertos compositores visionarios como Alexander Skriabin o Henry Cowell habían soñado una música creada solamente por medios electrónicos, aunque este tipo de música electrónica
no fue un hecho real hasta el desarrollo de la tecnología de la grabación de sonidos durante la II Guerra Mundial.
El compositor e ingeniero francés Maurice Martenot presentó en 1928 un instrumento electrónico llamado Ondas Martenot, un generador de bajas frecuencias manejado con un teclado de piano. En las décadas de 1940 y 1950 nacieron varios estudios de grabación, asociados a los nombres de figuras
destacadas, cuyos objetivos eran específicamente artísticos. En Francia, el ingeniero de sonido y compositor Pierre Schaeffer fundó el estudio de Radio Francia (RTF) en París, compuesto por varias grabadoras, micrófonos y equipos
para la edición de cintas. Las principales técnicas utilizadas para crear música consistían en cortar, pegar, empalmar o recorrer hacia atrás distintos fragmentos de la cinta grabada. Estas técnicas de manipulación de las cintas
dieron lugar a un nuevo tipo de montaje de sonido, elaborado con mucho esfuerzo a partir de las grabaciones de sonido provenientes del mundo real. Schaeffer calificó los resultados como música concreta, un término que aún se sigue
utilizando ampliamente, sobre todo en Francia. Su primer experimento en este nuevo género utilizaba sonidos de grabaciones de trenes. Todas sus obras de esa época eran breves estudios sobre sonidos y tienen títulos evocadores como la Sinfonía para un hombre solo, compuesta en colaboración con su colega (más joven que él) Pierre Henry. Los experimentos prácticos de Schaeffer en la composición de
música electrónica se basaban en algunos escritos teóricos sobre el tema que influyeron en él. El estudio de Henry y Schaeffer atrajo a diversos compositores, entre los cuales destacaba Pierre Boulez.
A finales de la década de 1940 Werner Meyer-Eppler, físico y director del Instituto de Fonética de la Universidad de Bonn, presentó por vez primera el Vocoder, un dispositivo que conseguía sintetizar la voz humana. Su trabajo teórico influyó en los compositores relacionados con el estudio de la Radio de Alemania Occidental en Colonia (fundada en 1953), y cuyo interés giraba en torno a la síntesis electrónica de los sonidos mediante generadores de sonido y otros aparatos. El primer director del estudio de Colonia, Herbert Eimert, ejerció una gran influencia por su forma de utilizar el serialismo total como base para la construcción de obras electrónicas. Según este método, todos los aspectos de la música, incluidos el tono, el ritmo y el volumen relativo, quedaban bajo el control de unos principios definidos numéricamente. Los sonidos y aparatos
electrónicos brindaban la precisión y el control necesarios para la realización de este concepto. Compositores como Bruno Maderna y Karlheinz Stockhausen elaboraron piezas electrónicas cortas, llamadas síntesis aditiva (véase la sección de síntesis del sonido más adelante). Estas obras se
componían enteramente a partir de sonidos electrónicos.
A finales de los años cincuenta ya se habían establecido gran parte de los estudios de música electrónica de Europa. Los más importantes eran el de la RAI en Milán, fundado por Luciano Berio y Maderna, el Instituto de Sonología de Utrecht y el estudio EMS de Estocolmo. La división entre la música concreta y la música electrónica pura fue un fenómeno básicamente europeo. Si bien en EEUU surgieron varios estudios en aquella época las distinciones estéticas eran allí menos importantes. En la década de 1950 en Nueva York los compositores Otto Luening y Vladimir Ussachevski crearon músicas para cinta magnetofónica con un equipo de estudio muy rudimentario. Su música transformaba los sonidos grabados de instrumentos y voces mediante técnicas de manipulación de cintas y simples unidades de reverberación. A finales de la década se asociaron con el Centro de Música Electrónica de Columbia-Princeton, en el cual el compositor Milton Babbitt empleaba una enorme computadora RCA para crear una música compuesta con los mismos principios seriales que Eimert y Stockhausen en Colonia. Su obra Philomel (1964) fue una de las primeras
composiciones para soprano solista y cinta magnetofónica. El desarrollo de la tecnología informática en las décadas de 1950 y 1960 llevó al establecimiento de una serie de estudios dedicados en exclusiva a la música por ordenador en
universidades estadounidenses y, en menor medida, en Europa.
Durante los años sesenta y setenta los estadounidenses Lansky y Barry Vercoe, entre otros, desarrollaron paquetes de programas para música (programas informáticos diseñados para la manipulación y creación de sonido), que se entregaban gratuitamente a los compositores interesados. Esta tradición de software en las universidades de Estados Unidos ha contribuido en gran medida al crecimiento de la música por computadora en todo el mundo. Tanto el Centro para la Investigación Informática en Música y Acústica (CCRMA) de la Universidad de Stanford, en el estado de California, como el Institute de Recherche et de Coordination Acustique/Musique (IRCAM) de París (fundado por Pierre Boulez en 1977), utilizaron los ordenadores de forma significativa y continúan siendo centros influyentes en la composición de música electrónica en la actualidad.
El rápido desarrollo de la tecnología informática durante los últimos 15 años ha conducido a una revolución en la música por computadora y en la música electrónica en general. Los ordenadores son ahora más asequibles, y los
programas informáticos, que antes eran muy lentos, funcionan ahora en cuestión de segundos o incluso de forma simultánea a los instrumentos. Son muchas las universidades actuales equipadas con un estudio de música por ordenador y varios países tienen estudios nacionales, dedicados a la composición de música electrónica. Además, los músicos trabajan cada vez más de forma independiente, en estudios particulares.
Los sintetizadores y los instrumentos de música electrónica
A principios del siglo XX se inventaron instrumentos electrónicos como el Telharmonium o el Theremin, pero eran muy rudimentarios en su construcción y complicados en su funcionamiento. Los sintetizadores e instrumentos electrónicos con amplificación, susceptibles de ser utilizados en las actuaciones en vivo, se perfeccionaron en la década de 1960. La computadora central RCA fue en esencia
uno de los primeros sintetizadores electrónicos. El aparato contenía todos los recursos necesarios para generar y modificar los sonidos por medios electrónicos. En los sesenta, Robert Moog, Don Buchla y los fabricantes británicos EMS, entre otros, comenzaron a producir sintetizadores que utilizaban el control de voltajes. Se trataba de un medio electrónico para variar el tono o
el volumen, y se empleaba para crear, filtrar y modificar, sonidos electrónicos.
Pronto aparecieron sintetizadores que ofrecían una serie de sonidos y efectos pregrabados. Éstos serían utilizados cada vez más con propósitos comerciales, desde los anuncios de la televisión hasta la música para películas de ciencia-ficción. Hoy existe una amplia variedad de sintetizadores,
capaces de imitar casi cualquier sonido y de crear gamas tonales y timbres completamente nuevos.
Los nuevos instrumentos musicales electrónicos de la década de 1960 también contribuyeron al crecimiento de la música electrónica en vivo, en la cual la creación y la manipulación electrónica del sonido ocurren en tiempo real (es decir, que se tocan y se escuchan en el momento). Al mismo tiempo, ciertos compositores creaban música electrónica en vivo con equipos fabricados por ellos
mismos. La obra Solo de Stockhausen (1966), por ejemplo, utilizaba un complejo sistema de retardo de la grabación que requería cuatro ayudantes para su interpretación. Durante la década de 1960 surgieron numerosos grupos de música electrónica en vivo, muchos de los cuales interpretaban música improvisada de carácter teatral. En años recientes, la revolución tecnológica también se tradujo en la aparición de numerosos instrumentos electrónicos y programas de ordenador diseñados para las actuaciones en directo. Destacan, entre otros, el
músico y diseñador de instrumentos Michel Waisvisz, que trabaja en los estudios STEIM de Holanda, inventor de diversos instrumentos como el llamado The Hands (las manos), en el cual el movimiento de las manos del intérprete en el espacio activa sonidos complejos y permite manipulaciones sónicas. El compositor-intérprete estadounidense George Lewis combina la improvisación al trombón con programas personalizados de composición por
ordenador que trabajan de forma simultánea. La estación de trabajo de procesamiento de señales desarrollada en el IRCAM permite una manipulación muy compleja en tiempo real de los sonidos instrumentales y sintéticos. Además de estos interfaces (superficie de contacto) altamente especializados, muchos compositores e intérpretes utilizan algunas cajas de efectos disponibles en el mercado, diseñadas pensando en el mercado de la música popular.
La evolución del sintetizador y la guitarra eléctrica a partir de los años cincuenta también ha influido en gran medida en el mundo del pop y la música rock. Los avances tecnológicos fueron acogidos con entusiasmo por grupos como
The Grateful Dead, Pink Floyd y la Velvet Underground. En la década de 1980 se inventó una nueva forma de trabajar con instrumentos de música electrónica dirigida al mercado popular: el llamado MIDI (interface digital de instrumentos
musicales). El MIDI no es un instrumento musical, sino un medio que permite a los sintetizadores y otros equipos comunicarse unos con otros mediante el envío de instrucciones digitales. Por ejemplo, mediante el MIDI un intérprete puede hacer que varios sintetizadores respondan cuando se toque uno de ellos. El uso de la tecnología musical en la música pop y rock es tan importante que la
naturaleza de los instrumentos y las otras tecnologías musicales relacionadas con la música electrónica están dictadas, en gran medida, por las necesidades de la industria del rock.
Géneros
Desde que la música es música, desde que se escucho por primera vez un sonido musical, muchos son los estilos que han surgido a través del tiempo, o por fusiones con otros estilos musicales o por creación de algunos que supieron
mezclar sonidos sacando nuevos géneros y nuevas tendencias, la música en general hoy por hoy va por un camino incierto, ya que con tanta tecnología nos sabemos lo que nos deparará en el futuro, pero justamente para tratar de entender hacia
donde vamos trataremos de hacer una breve reseña de la evolución musical, en este caso de la música electrónica, desde el uso del primer sampleo hasta la incorporación de nuevas maquinas y robots, si bien la electrónica abarca un sin fin de subgéneros, trataremos brevemente de contar algo de su historia.
Compositores e inventores
El movimiento "The Art of Noise" de principios de siglo fue lo que de verdad dio a luz a lo que se llama hoy cultura rave, mediante composiciones inspiradas por el vaivén mecánico y eléctrico de la ciudad. Haciendo cajas caseras, a las cuales incorporaban los sonidos de sirenas, cornetas y pitos, estos futuristas ya estaban haciendo tecno pero sin la incorporación de beats. Al avanzar el siglo, compositores como Pierre Schaeffer y Pierre Henry comenzaron a cortar y pegar cintas magnéticas (un ejemplo antiguo del sampling) para crear piezas con pedazos de sonidos provenientes de distintas fuentes. Antes de que los djs de clubs usaran platos - bandejas (turntables) de velocidad variable, Luigi Russolo y el compositor americano John Cage incorporaban tanto como 42 platos en una
sola pieza. Estas han sido sampleadas o remezcladas por artistas contemporáneos, como Irresistible Force, Dj Spooky, Fatboy Slim y Coldcut, entre otros.
Minimalismo
A principios y mediados del siglo, los vanguardistas se convirtieron en precursores de la instrumentación de la música dance electrónica, y continuaron sus experimentos durante los 60 y 70. También debemos agregar a Brian Eno, el
productor y músico pop que "inventó" el término de música Ambient en 1978, sacando álbumes como Music For Films and Ambient I y Music for Airports. Eno compuso melodías complejas que podían ser usadas como música de fondo.
Kraut Rock
En los últimos años, casi todos los grupos alemanes de rock progresivo han sido influenciados por Kraftwerk: Can, Faust, Tangerine Dream y Cluster. A finales de los 60 y principios de los 70 estos rockeros comenzaron a experimentar con sintetizadores y osciladores, y crearon música psicodélica del espacio exterior -trips de drogas y tecnología-, de los cuales todos se mantienen como temas
principales de la música electrónica. Kraftwerk podría ser el único y más importante precursor de la música
electrónica. También podrían ser los originales artistas desconocidos, que siempre usaron robots como reemplazo en fotos y en tarima. Crearon música pop electrónica impecable que aún suena bien hoy en día. Fueron los discos de
Kraftwerk que utilizó y sampleó Afrika Bambataa, para crear uno de los primeros grandes hits del electro/rap, Planet Rock. Era Kraftwerk lo que estaba escuchando la gente de Detroit cuando se les ocurrió su propia variación de la
misma: el Tecno.
Dub
Usando el estudio de grabación como instrumento, los pioneros del dub jamaiquino(King Tubby, Lee "Scratch" Perry y Sly and Robbie) trabajaron al revés. Tomaron los éxitos del reggae y le quitaban básicamente todo menos la batería y los bajos. Luego tomaban los pedazos y agregaban ecos de guitarras, reverberaciones y cualquier sonido espacial. La cultura del dub y el reggae giraban alrededor de los Sound Systems, y viajaban de ciudad en ciudad mientras los presentadores cantaban sobre la música, cosa que tuvo mucha influencia en los principios del rap. En casi cualquier subgénero de la música electrónica, -ya sea drum and
bass, ambient, tecno- hay algo que remite a la música dub.
Disco
Antes de que Saturday Night Fever lograra que la música disco surgiera de los clubs de gays y negros, había mucha innovación. Entre las influencias más grandes está Giorgio Moroder, quien le agregó esas dulces tonalidades a los
himnos de Donna Summer. El instrumental de Hot Butter Popcorn sonaba como tecno antes de que el término tuviera significado alguno. Tan importante como la música fue la manera en que el disco music transformó la vida nocturna de los clubs.
Synth Pop
Evolucionando del punk a finales de los 70, surge el New Wave, el cual se transforma mucho antes de tener una influencia en la música electrónica. Bandas de la época son New Order, Depeche Mode y Yaz, en particular; aunque también hay que agregar a aquellas agrupaciones que heredaron la obsesión por la tecnología de Kraftwerk: Gary Numan, The Art of Noise, DAF, Yello y Yellow Magic Orchestra, sin olvidar los grupos industriales que le agregaron un lado más duro a la música electrónica: Cabaret Voltaire, Throbbing Gristle, Ministry y Front 242.
Electrofunk
Se podría decir que el Electrofunk tomó al disco y reemplazó a las divas con robots. Zapp, Parliament Funkadelic y Prince ayudaron a pavimentar el camino para grupos de principios de los 80, como Afrika Bambaataa, Uncle Jam´s Army, Mantronix, Newcleus, George Kranz y World Class Wreckin´ Kru, los cuales construían canciones con sintetizadores, drum machines, sampleos de James Brown
y vocales humanas sintetizadas a través de un "vocoder". Esta fue la respuesta de los negros ante Kraftwerk, demostrando que el funk podía ser tocado por máquinas al igual que el rock. En esta era también fueron importantes los primeros discos de Break Beat.
House
Chicago, 1984. The Warehouse es considerado normalmente como el lugar donde comenzó la movida de la música electrónica moderna. Ahí el disco nunca murió, simplemente se fue al underground. Marshall Jefferson, Steve "Silk" Hurley, Jamie Principle, Farley "Jackmaster" Funk y otros retiraron el pop y comenzaron a usar melodías de piano, ritmos latinos, baterías y bajos muy, muy profundos.
En The Warehouse, el dj Frankie Knuckles le agregaba sus efectos y baterías a los hits de música club. Al contrario de los estilos anteriores, la música House continúa creciendo.
Acid House
Acid Trax es el nombre de una disquera de house en Chicago. No se sabe si se refiere a los altos sonidos que creaban los 303 (sintetizadores de bajo) o si se refiere a la droga alucinógena. Cuando los djs ingleses regresaron de Chicago
con muchos de los discos de Acid Trax, a finales de los 80, empezaron a crear su propio acid house tomando esos ritmos importados y agregándole sampleos de televisión, efectos y sonidos, ayudados además por la droga traída de Norteamérica: el "écstasy". La juventud inglesa se congregó alrededor de la música sin importar la raza, edad o cultura y así celebraron su propio verano del amor en 1988. Aquí participaron djs como Danny Rampling y Paul Oakenfold, y
bandas como A Guy Calle Gerald, 808 State y T-Coy.
Tecno (Detroit)
Si en el House se trata del momento, el Tecno trata del futuro gracias (en gran parte) a Electryfyin' Mojo, un dj que dio a conocer a Kraftwerk, New Order y Devo a los jóvenes de Detroit. Comenzaron a hacer música mas rápida incorporando cada vez más funk y house y creando así el primer hit de tecno en 1989: Big Fun, de Inner City. Esos djs continúan sacando singles y álbumes al tiempo que se les
une una nueva generación de compositores de Detroit como: Carl Craig, Jeff Mills, Richie Hawtkin y Kenny Larkin, los cuales llevan la música a un nivel de abstracción cada vez mayor.
Techno (Inglaterra)
Grandes capos de la droga, artículos de prensa, redadas de policías y leyes prohibiendo reuniones sin permiso, obligan al movimiento a volver al underground, en donde se transformó en el tecno que conocemos y amamos hoy en día. Esta vez la inspiración no fue Chicago, sino Detroit. Ya que la era de raves gigantescos había terminado, las fiestas volvían a los pequeños clubs donde se podía dirigir a un público más específico: había sitios para house,
drum and bass, hardcore, etc. La música se regó por toda Europa, llegó a Asia y, finalmente, volvió a Estados Unidos en donde muchos músicos, anteriormente ignorados por la industria, consiguen contratos con las grandes disqueras (Josh Wink, Crystal Method entre otros).
Ambient
Como consumían drogas y bailaban durante toda la noche, los chicos necesitaban un lugar de descanso. Así nació el chill-out, donde los oídos y mentes eran estimulados mientras los pies descansaban. Alex Paterson, de The Orb, se imaginó
haber escuchado algo nuevo en una mezcla de Tony Humphries y comenzó a mezclar música dance con sonidos de trenes, animales y otros. Finalmente, la música dance se había librado de la tiranía de los beats con canciones como 3 AM
Eternal, de KLF. Otros artistas, como Irresistible Force, Future Sound of London y Aphex Twin ayudaron en el progreso de la movida.
Jungle
El choque entre jóvenes enamorados del hip hop y djs que tocaban acid house -como Fabio y Grooverider, que querían algo más rápido, duro y oscuro- produjo la respuesta inglesa del rap ante el dub: el Jungle. Este contenía vocales de MCs de reggae, líneas de bajo muy profundas y baterías que eran distorsionadas de cualquier modo posible. En 1994, el Jungle fue sacado de los barrios e introducido al mercado, donde artistas desde David Bowie hasta U2 y Everything But The Girl lo usaron en su música. Como el tecno, el Jungle (ahora conocido como Drum and Bass) se dividió en varios subgéneros: tech step, jump up, hard
step y jazz step, entre otros.
El Futuro
La electrónica es un género que como el Jazz, Blues o Rock'n'Roll, llegó para establecerse. Cada día observamos mas innovación, mas creatividad y nuevas maneras de componer, que a su vez crean nuevos sub-géneros y formas. Las bases están sentadas y ahora lo que hay es experimentación a todo nivel. Desde el House hasta el Drum'n'bass y Spiral-tekno han pasado muchas cosas y seguramente oiremos y bailaremos cada vez nuevos, mejores y mas interesantes temas.
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